Blog de Veracruz / » Música, su historia e intérpretes. El legado Cultural – Veracruz – México

El son jarocho o fandango es un baile de origen español que llegó con los conquistadores; en Veracruz existen dos variantes: el jarocho y el huasteco.

Son jarocho: Genero lírico de gran raigambre española, cuya formación se logró a través de los siglos XVII y XVIII; es un género musical propio de la mitad del sur del Estado, producto original de la región tropical pródiga en frutos naturales y culturales. Tierra en donde han convergido muchos pueblos desde tiempos remotos: indígenas de diversas denominaciones, españoles, portugueses, italianos, negros de regiones apartadas del África, franceses, criollos, mismos que han enriquecido y aportado diversas características a este baile.
En el rico crisol cultural de la tierra jarocha, se desarrolló un son de cualidades únicas, un son bonito, alegre, de ricos matices musicales, que invita a los danzantes a zapatear en tarimas (antiguamente llevaba en su interior guías de cascabeles y platillos metálicos) construidas para eso, variable de tamaño; junto a la que se reúnen músicos, cantadores, trovadores, bailadores y espectadores. Una de sus características más sobresalientes, consiste en que tanto en el baile, como en el canto debe privar la improvisación.
Ejecución e interpretación de la música y el canto: Inicia con un trozo instrumental, sigue el canto con diversas formas estróficas y de simple copla, alternando muchas veces con estribillos (coros) y con la parte instrumental en la cual se bailan y ejecutan mudanzas o se zapatea y se realiza floreo, escobillado, trenzados y combinaciones. En medio del acto suelen intercalar los ejecutantes exclamaciones familiares a los diversos oficios de los vaqueros.

Instrumentos jarochos: El grupo de músicos que toca el son jarocho varía por regiones, en el puerto de Veracruz y zonas adyacentes se acompaña con un arpa, jaranas y violín, en la zona del Papaloapan privan las jaranas y guitarras de son o requintos; hacia los Tuxtlas es usual la jarana pequeña o mosquito y requintos de doble cuerda que igual se puntean o rasguñean; en la zona del istmo las jaranas suelen ser de caja grande y brazo corto, de sonido muy agudo y las guitarras graves. Con el tiempo los músicos han agregado ocasionalmente un pandero, el güiro, la armónica, la quijada de burro, etc.

Típico trío huasteco
Son huasteco o huapango: Su nombre proviene del náhuatl cuauhpanco; kuahuitl; leño madera, pan, en, sobre, ko, adverbio de lugar. Huepango; huepantli (vepantli), viga grande, devastada y sin labrar; ko, en; en donde están las vigas sin labrar. Se puede decir que el huapango es un baile sobre tarimas. La tarima se acostumbra actualmente solo en algunos municipios de la sierra totonaca para el huapango arribeño o abalonado. Es una fiesta o celebración popular, música o sones peculiares y baile en tarima acompañado de cantos populares; surge a partir de la colonia y es ejecutado por el pueblo implantándole el sello propio característico de cada región. Es la música tradicional de la Huasteca, una de las siete zonas en que se divide geográficamente el estado, baile mestizo de mas reciente creación en comparación con las danzas indígenas.
Hay quien dice que la Huasteca presenta influencia africana, que posteriormente se fusionó con la española y la indígena, dando lugar a un estilo propio y regional. El Huapango surgió de bailes y trovas populares españolas, se volvió expresión propia en los sectores mestizos y aún en los indígenas. A diferencia de los bailes indígenas el huapango es pagano, es decir, no ceremonial. No es un baile de exhibición propiamente sino de participación colectiva.
El atuendo: Actualmente el de los bailadores es diseño de Ramón Valdiosera, fue inspirado en la unión de las 4 Huastecas. La blusa de tela lisa, sin mangas en blanco. En la mujer, falda plisada y amplia, con un olán que llega hasta media pantorrilla, sobre la blusa una prenda llamada quechquemitl o quesquene tomados ambos del vestuario indígena de la Huasteca potosina. El mandil y los aditamentos que acompañan al vestido como el abanico y los collares, de la jarocha del sur de Veracruz. Los flecos que penden del quechquemitl fueron tomados de la cuera tamaulipeca. El traje es confeccionado en organza, gasa y organdí, presentado en color blanco o tonos pastel; el bordado de la retama o flor del quechquemitl y el mandil es con estambres en colores vivos.

Traje típico de la huasteca veracruzana
El traje masculino es una guayabera con cuatro hileras de alforzas en la parte posterior, cuatro bolsas, cuello tipo ranchero, con un pañuelo rojo y un paliacate anudado al cuello, pantalón blanco, sombrero de cuatro piedras y con barbiquejo; botines blancos.
Ejecución e interpretación de la música y el canto: Además de su variedad de pasos e interpretaciones, cuenta con una armonía musical propia para cada son. Existen cuatro sones que se bailan tradicionalmente desde muchas generaciones atrás. Su secuencia de pasos y estilo coreográfico han quedado marcados desde su resurgimiento en 1910 hasta la actualidad; estos sones son El Caimán, El Caballito, La Presumida y la Huasanga, dos más actuales son el Querreque y El Taconcito. Dentro de estos sones se encuentran todos los bailables existentes en el Huapango Huasteco Veracruzano.
En cuanto al baile, cuando los músicos se encuentran trovando, los bailadores siempre realizan un paso de descanso, al cual se le denomina valseado o alisado. Dominada la agilidad con los pies se puede realizar una serie de cambios o remates sincopados a los que se le denomina adornos. La postura de los bailadores es erguida, el caballero siempre con el sombrero en la mano, que indica el respeto que le merece su bailadora, y sólo lo utiliza para invitarla a bailar. La dama alegremente ataviada recoge sus enaguas elevándolas a una posición que no va más allá de la altura de sus hombros. Situados uno frente al otro esperan la introducción del violín para bailar. Los huapangos huastecos bailables son ejecutados con tres trovas únicamente; por esta razón en algunas huapangueadas los bailadores les señalan a los músicos el número de versos que desean bailar.
En el ritmo del huapango existen variedad de estilos en cuanto a su ejecución en las diferentes zonas. Lo cantan dos personas: la primera, que es la que inicia y va a realizar la trova completa, repitiendo la primera parte como si fuera una cuarteta; y la segunda que es la que le contesta o bien repite esa parte de la trova que es la misma en igual forma. Al terminar el contestados continúa el trovador para finalizar el verso. Los huapangos que se interpretan musicalmente para trovar, están compuestos de cuatro o más coplas, dependiendo del número de cantadores que están presentes en la ocasión, o bien para narrar alguna anécdota, o versos a la Huasteca, o algún personaje político o social. Los huapangos tradicionales en los que se ejecuta el baile son siempre tres versos, pudiendo a veces aparecer de dos, dependiendo de la energía de los bailadores.

Instrumentos huapangueros: entre los instrumentos españoles asimilados por nuestra cultura y específicamente en la zona huasteca, están el rabel (especie de violín con tres encortaduras) y la antigua guitarra española, que se transformó en la jarana huasteca. Para interpretar la música Huasteca, en la actualidad se usan tres instrumentos principalmente: el violín, la jarana huasteca y la guitarra quinta doble o huapanguera.

Orquesta Sinfónica de Xalapa
Todo inició un miércoles 21 de agosto de 1929, cuando el maestro Juan Lomán y Bueno se presentó en el teatro Sebastián Lerdo de Tejada ante un grupo de músicos que ya se llamaba Orquesta Sinfónica de Xalapa. Esta presentación sembró entonces la semilla que hoy hunde sus raíces de siete décadas en lo más profundo del suelo xalapeño, y no brinda los frutos de la voluntad y la conciencia de entender, hacer y gozar de la música sinfónica.
A partir del 7 de mayo del mismo año, se autoriza un subsidio a la OSX del presupuesto del estado, con el compromiso de que la orquesta estrenara cuando menos una composición clásica cada mes.
Después de un largo período de escasa actividad, en 1942, la Orquesta Sinfónica de Xalapa inicia sus primeras temporadas formales de conciertos en la ciudad de Xalapa, y repite algunos de sus programas en otras poblaciones del estado: Veracruz, Córdoba y Orizaba. En ese mismo año, aumenta considerablemente el subsidio que le había otorgado el Gobierno del Estado.
El sábado 18 de marzo de 1944 ofrece su primer concierto de primavera en el salón de actos del colegio Preparatorio. En esta ocasión, el maestro Francisco Reyna Reguera se presentó con la orquesta en calidad de director huésped.

Aniversario de la Orquesta Sinfónica de Xalapa
Limantour, Ximénez Caballero, Herrera de la Fuente, Fernando Avila, José Guadalupe Flores, todos ellos en su momento, aportaron su voluntad y esfuerzo para que la Orquesta Sinfónica de Xalapa consolidara paulatinamente su gran tradición de calidad y profesionalismo.
Con setenta años de actividad desde su fundación, la OSX es decano de las agrupaciones sinfónicas en nuestro país. Con el maestro Francisco Savín al frente como titular desde 1990, la OSX ha cosechado grandes éxitos, tanto en México como en el extranjero; así mismo ha promovido el estreno de un gran número de obras. Lo anterior y su versatilidad para abordar una amplia gama de épocas, géneros y estilos, hacen de la OSX una de las agrupaciones mexicanas más importantes en su género.

Grandes Músicos Veracruzanos

Agustín Lara: Lara, el “Flaco de Oro” como lo llamaban sus amigos, quien según la versión oficial nació en la Ciudad de México el 14 de octubre de 1900, pero él dijo siempre haber nacido en Tlacotalpan, Veracruz, razón por la cual todos lo consideramos veracruzano. Huérfano de madre a una edad temprana, vivieron, él y sus hermanos, al amparo de su padre, que era médico, quién lo envía a vivir a la Ciudad de México con su tía Refugio, encargada de una hospicio ubicado en Coyoacán.
Al lado de su tía, establece su primer contacto con la música, ella lo enseña a tocar el piano descubriendo sus dotes musicales. Estudia en el Liceo Fournier, en donde no solo aprende a tocar el piano sino también a hablar muy bien el francés y tiene su primer encuentro con la poesía a través de un viejo jardinero, llegándole así el eco de los poetas románticos mexicanos del siglo XIX.
Desde los 13 años empieza a trabajar en bares y cantinas, tocando el piano e interpretando sus primeras composiciones, posteriormente se ve obligado a buscar la realización en otras actividades por el decreto del cierre de bares y centros nocturnos. Su carrera como artista la inicia en 1936 con la firma de sus primeros contratos. 1940 es un año de triunfos y reconocimientos, las mujeres y la fama lo rodean; iniciándose así una etapa de derroche y de un sinnúmero de canciones interpretadas por los mejores cantantes del momento: Maruca Pérez, Toña “La Negra” y Pedro Vargas.

La Casita Blanca en el puerto de Veracruz, museo dedicado a Agustín Lara
La radio impulsa su música y el cine magnifica su imagen. Aparte de la música, sus otras debilidades o amores fueron Veracruz y las mujeres. Se casó siete veces, una de ellas la gran actriz mexicana María Félix; su primera esposa se llamó Angelina Bruschetta.
El 6 de noviembre de 1970 muere el músico-poeta, sus restos son depositados en la Rotonda de los Hombres Ilustres, en la Ciudad de México.

Agustín Lara y Toña La Negra
Toña “La Negra”: María Antonia del Carmen Peregrino, Toña “La Negra” fue una cantante de música popular que llegó a ser famosa en todo México, Centro y Sudamérica y los Estados Unidos en la “Epoca de oro” de la radio y el cine mexicanos, entre los años 1930 y 1950.
De origen humilde, nació un 1 de noviembre de 1912 en el puerto de Veracruz en el seno de la familia de los “Negros” Peregrino, gente mulata del barrio de la Huaca. Cantó desde muy chiquita, a los diez años ganó un concurso de aficionados en una estación radiofónica del puerto.
A los 17 años se dirige a la capital del país con el sueño de triunfar, llegando muy alto, sin embargo el éxito no la mareo ni la cambió. Sus primeras actuaciones en la gran ciudad fueron en el Centro de Dependientes y en el Teatro Variedades. Agustín Lara había surgido como compositor un poco antes de su llegada a la capital; la jarocha llegó a ser su mejor interpréte y el popular flaco de oro compuso canciones especialmente para ella.
Toña se presentó en el Teatro Iris y el Politeama, en 1932 canta por primera vez Lamento Jarocho, famosa canción compuesta especialmente para ella por Lara, así como la primera orquesta en el programa “La hora azul”. A los 23 años ya tenía su propia compañía compuesta por más de 30 artistas, se presentaron con gran éxito en Veracruz regresando así a su tierra natal como una triunfadora. Fue en Mazatlán, Sinaloa donde el público la bautizó como “La alondra veracruzana”. Interpretó boleros, sones, rumbas, danzones, pregones, tangos, valses y muchos ritmos más, la mayoría de los temas que cantaban trataban de asuntos amorosos: Rival, Piensa en mí, Arráncame la vida, Palabras de mujer; otros de lugares o situaciones: Veracruz, Noche Criolla, La clave azul, La cumbancha, Farolito, etc. Y otras de crítica social a la marginación sufrida por lo morenos de parte de la clase dominante: Angelitos negros, Maciste, Oración negra y Oración caribe.

Teatro Estado en Xalapa
En total, sus discos grabados son más de 30, de 1937 a 1951 participa en unas 20 películas compartiendo cartelera con los grandes del cine mexicano. Murió en la Ciudad de México el 19 de noviembre de 1982; tenía 70 años y casi todos los paso cantando, con su particular fraseo y su acento, tan veracruzano.

Narciso Serradel: Nació en Alvarado en 1843, compositor y músico. Ingreso en el seminario instado por su familia pero huyó para estudiar música y medicina. Luchó contra la intervención francesa con el General Ignacio Zaragoza. Aprendido y deportado a Francia a la caída de Puebla en 1863 termina ahí sus estudios de medicina.
En 1862 puso música a versos del español Francisco Martínez dela Rosa para crear la canción La Golondrina, que cantaban los prisioneros mexicanos en Clemont-Ferrand. Conocida en el plural Las Golondrinas, se canta actualmente en las despedidas.
Volvió a México en 1865 y ejerció en Veracruz; organizó bandas de música y compuso danzas, polkas y mazurcas. Se radicó en Tlalixcoyan, siguió componiendo y ejerciendo la medicina en ese lugar. Murió en la Ciudad de México en 1910.

Francisco Gabilondo Soler: La sensibilidad hacia el mundo de los niños fue una de las características que siempre lo distinguió, nacido el 6 de octubre de 1907 en la ciudad de Orizaba, sus padres fueron Tiburcio Goya y Emilia Soler Fernández. Tuvo tres hermanos. Desde niño mostró una inclinación muy fuerte hacia la música, aprendió a cantar, a tocar el piano y el violín, muy joven parte a la Ciudad de México, en donde probo en varias estaciones de radio y teatros sin éxito. Comenzó a componer canciones con temas infantiles para una niña amiga suya, que vivía en la misma casa de huéspedes que él, fue esta modalidad la que lo llevó al éxito.
Pronto tuvo uno de los programas radiofónicos más escuchados en México, decide bautizarse Cri-Cri en honor al canto de los grillos, y precisamente gracias a Cri Cri El Grillito Cantor que la niñez mexicana descubrió personajes hasta entonces desconocidos: La patita, El negrito sandía, La abuelita, El che araña y El elefantito.
Aunque se desconoce el número exacto de sus canciones, se calcula que esta asciende a doscientos; vivió en la época en que los mexicanos conocieron la radio como medio de difusión, y a través de ella sus composiciones gozaron de un gran impulso. En 1934 comienza la transmisión de su programa, gracias al cual el país entero conoce historias como: Caminito de la escuela, Al perrito le duele la muela, Di por qué, El chorrito, El ropero, La marcha de las letras o El ratón vaquero.
Las canciones del “El grillito cantor” están llenas de ternura, aunque no faltaban las travesuras o los asuntos misteriosos que a los niños siempre interesan. Estos temas vistos desde un punto de vista infantil vinieron a llenar un vacío de la música popular, puesto que por aquellas épocas los únicos géneros que se escuchaban estaban destinados al público compuesto por adultos. Francisco Gabilondo Soler murió el 14 de diciembre de 1990.
Lorenzo Barcelata: Nació en Tlalixcoyan en 1898 y se hizo famoso cantando sus propias canciones en la radio y en el cine. Algunas de sus canciones más conocidas son El pescador, Caña de azúcar y María Elena, las que se escuchaban por todas partes. Lorenzo Barcelata nació con la música en la sangre, en su familia han sido frecuentes los músicos y los bailadores de fandango, dicen que su primera canción la compuso cuando tenía 14 años y la llamó Arroyito.
Desde niño aprendió a tocar la guitarra y lo hacía muy bien, también tocaba la jarana, el requinto y el arpa. Así, con su guitarra, su voz y su inspiración salió a recorrer todo el mundo y cantó sus canciones en todas partes. En sus inicios formó, junto con otros cuatro artistas, un quinteto que llamaron Trovadores Tamaulipecos, y con ellos triunfó en Tamaulipas, Veracruz, Yucatán, Cuba y Estados Unidos.
En la Ciudad de México dirigió dos radiodifusoras y organizó un nuevo quinteto tamaulipeco. Trabajo en varias películas que se hicieron famosas como María Elena, Allá en el Rancho Grande, Ora Ponciano, Bajo el Cielo de México, Las cuatro milpas y otras. En esa época alcanzó fama internacional su canción María Elena, que llegó a primer lugar de popularidad en Nueva York en 1940; con ese motivo se fue en una larga gira por el continente, que terminó en estados Unidos, donde se quedó escribiendo música para varias películas de la Paramount, regresó a México en 1943 y muere el 13 de julio, antes de su debut en la emisora Radio Mil.

María Greever: María Micaela Portilla Ronzón nació en Xalapa en el año de 1890, sus padres fueron don José Portilla y Doña Amelia Ronzón. Cursó la instrucción primaria en esta capital, en la escuela que dirigía la educadora Doña Rosario Martínez. Se casó con el Ing. León Greever, de nacionalidad norteamericana y con quién tuvo dos hijos: Tomás y Carmina.
Una vez casados, marchan a los Estado Unidos, por lo que al encontrarse lejos físicamente de su tierra, comenzó a producir bellas composiciones en música y texto. De regreso en la Ciudad de México, entrega su producción musical a la radiodifusora XEW y en donde fue presentada por cantantes famosos de la época: Pedro Vargas, Nicolás Urcelay, Alejandro Algara, Mercedes Caraza, Las Hermanas Coprino.
Algunas de sus composiciones mas conocidas son: Muñequita linda de cabellos de oro (compuesta con motivo de la pérdida de su hija), Ola, Júrame, Volveré, Bésame, Tipitín, Lamento gitano, México canta para ti, Yo canto para ti, Si yo encontrara un alma como la mía, Dale, dale, y otras más.